LUMEN VERITATIS es un proyecto fotográfico desarrollado por Lucía Gorostegui en el glaciar Mer de Glace, lugar icónico en los Alpes franceses visitado por más de un millón de personas al año, donde se confronta la preservación del paisaje natural con la intervención humana.

Immanuel Kant definió lo sublime como una experiencia estética que surge ante la percepción de la inmensidad y el poder de la naturaleza, evocando tanto asombro como temor. El pintor romántico J.M.W. Turner capturó esta noción en sus paisajes dramáticos, situando al espectador en un estado de introspección y reverencia. El glaciar Mer de Glace fue representado por Turner en su serie Liber Studiorum, donde intentó codificar la naturaleza del paisaje en grabados que luego fueron reproducidos por Frank Short. Este proceso de reproducción no solo multiplicó la imagen original, sino que también alteró su significado: cada repetición implicaba una leve pérdida, y con ella una nueva interpretación, como si en cada copia la imagen fuera descomponiéndose en una versión distinta de sí misma.

Gorostegui invita al glaciar Mer de Glace a 'autofotografiarse': el papel fotosensible, enterrado en la morrena, absorbe el entorno, capturando un autorretrato abstracto que transcribe la latencia de los cambios naturales y convoca un diálogo entre lo sublime y lo efímero.

LUMEN VERITATIS consiste en una serie de fotografías analógicas sin fijar, tomadas a través de impresiones lumínicas en el glaciar Mer de Glace. Las imágenes, se muestran protegidas por un vidrio rojo translúcido, que permite que las sales de plata fotosensibles permanezcan activas en el papel preservando la imagen original inalterada, pudiendo el espectador participar activamente en la transformación y su eventual destrucción al levantar el filtro. Este acto consciente de revelación y degradación establece un paralelismo con la acción humana sobre el medio ambiente; la tensión inherente entre el impulso de consumir y el deseo de preservación.

Las imágenes de LUMEN VERITATIS persisten en un estado de flujo, suspendidas entre la luz y el deterioro; sin embargo, a diferencia de la naturaleza, cuya transformación idealmente obedece a ciclos autónomos, el glaciar y la imagen fotográfica son ambos atravesados por la intervención humana. Así, Mer de Glace, expuesto al consumo de millones de miradas, y la fotografía, cuya fragilidad se revela en la misma contemplación que la anima, exhiben la paradoja de su existencia: una impermanencia compartida donde el tiempo se desdobla, actuando simultáneamente como materia y desgaste, como soporte y desvanecimiento.

Proyecto ganador del premio MIA Awards 2024. Su presentación se producirá durante 2025

"I can buy myself flowers (oh)
Write my name in the sand (mm)
Talk to myself for hours (yeah)
Say things you don't understand (you never will)"
— Miley Ray Cyrus, 2023

Through the centuries, flowers have been painted while saints, kings, nobles, and people of power posed for their portraits. Silent and somehow demure, flowers have borne witness to the brushstrokes of masters across eras. These seemingly low-profile paintings manifest ways of perceiving beauty, mortality, and futility. The careful selection of flowers and their placement in an exuberant crystal or ceramic vase, or simply scattered on a wooden table, tell the story of how we long to gaze upon beauty—how we wish to see nature in all its diverse forms.

Alejandra Atarés has been contemplating flowers too. She slices time with her contemporary vision of femininity and beauty through her interpretation of still life. With her bold use of color, texture, and pattern, Alejandra invites the viewer to experience a true sense of camp, enhancing the inherent aesthetic values of the dominant idea of femininity. This encapsulates an invitation to perceive flowers not merely as objects of nature but as powerful visual and emotional symbols.

Matti Schulz has been contemplating Alejandra's paintings. Through them, he has discovered his individual truth of beauty within the still life theme. His approach is rough and iconographic, offering a humorous perspective on the contemporary to expand and develop the themes of the show.

Together, these bodies of work engage in a new narrative, connecting dots that are not often linked, creating a unique environment in which to experience their art. Bring Flowers presents a sculptural vase that invites visitors to activate the exhibition by bringing their own flowers, creating a collaborative bouquet and making the viewer an active participant in the experience.

"Bring Flowers" will be the final exhibition at the former Vesselroom Project in Kottbusser Tor (Berlin), featuring works by Alejandra Atarés and Matti Schulz, curated by Cendra Projects. The exhibition opens on Friday, September 6th, at 6 pm.

Matti Schulz was born in Neubrandenburg in 1985. He studied fine art at the HfBK Dresden from 2006 to 2016 and graduated with a diploma and as a master student. The artist uses a wide variety of media, from sculptures and objects to drawings and installations, while his subjects usually humorously take up contemporary themes from public life or recent history. He also performs as a solo musician under the name MC Müllsaft and has realized a wide range of musical projects. He has received several artist residencies, e.g. in collaboration with the Goethe Institute in Kinshasa. Matti Schulz lives and works in Berlin.

Alejandra Atarés is a contemporary Spanish artist born in Zaragoza, Spain, in 1987. She is recognized for her vibrant, textured paintings that often explore themes of nature, particularly flowers, as well as landscapes and figures. Atarés studied Fine Arts at the University of Barcelona and later continued her education in Boston, Massachusetts, at the School of the Museum of Fine Arts.

Her work is characterized by the use of bold, saturated colors and intricate patterns, creating compositions that are both visually striking and emotionally evocative. Atarés' paintings often feature dense, textured surfaces that add a tactile dimension to her work, drawing viewers into the depth and richness of her canvases.

She has exhibited her work widely, both in Spain and internationally, gaining recognition for her distinctive style that blends elements of traditional still life with contemporary abstraction. Alejandra Atarés continues to live and work in Barcelona, where she produces art that challenges and reinterprets classical motifs in a modern context.

"Los verdaderos viajes del descubrimiento no consisten en buscar nuevos paisajes, sino en tener nuevos ojos."
— Marcel Proust, En busca del tiempo perdido V (La Prisionera), 1925

El proyecto "Las Veces", comisariado por Cristina Moreno y Antoni Amaya, presenta una intervención site-specific de Lucía Gorostegui en el antiguo aljibe del Casal Solleric. Esta instalación se centra en la exploración de la percepción de realidad a través de la imagen en relación con el espacio arquitectónico.

Gorostegui implementa una serie de elementos que interactúan con la estructura existente, fomentando una reflexión crítica sobre las identidades culturales del espacio. La obra establece un diálogo sobre la imagen como construcción de relato y generador de realidad, ofreciendo una perspectiva analítica sobre la interacción entre el observador, el entorno construido y la práctica artística contemporánea.

En el aspecto visual de la instalación, Gorostegui emplea fotografías y espejos como herramientas para alterar la percepción espacial. Estos elementos visuales funcionan como dispositivos que desafían la interpretación convencional del entorno, creando distorsiones ópticas y perspectivas modificadas.

El uso del papel en la instalación sirve como medio para una reflexión teórica sobre los conceptos de archivo, veracidad y memoria. A través de intervenciones textuales y manipulaciones materiales, Gorostegui examina los procesos de preservación, distorsión y reinterpretación de la información visual.

Como complemento a "Las Veces", Begoña Martínez desarrolla "Las Voces"*, un proyecto de mediación que examina las perspectivas visuales de individuos en el espectro autista. Este componente tiene como objetivo identificar y analizar las convergencias y divergencias entre las percepciones neurodivergentes y neurotípicas, promoviendo así un intercambio de conocimientos y una mayor comprensión mutua.

La metodología empleada en "Las Voces" implica la grabación de conversaciones, que posteriormente se procesan y convierten en muestras de audio. Estas se integran en la instalación del aljibe, generando un ambiente sonoro que refleja las experiencias sensoriales asociadas con el autismo.

Es importante señalar que esta instalación forma parte de un proyecto de investigación más amplio llevado a cabo por Gorostegui y Martínez. Su trabajo colaborativo se orienta hacia el análisis de la diversidad en la percepción de la realidad, cuestionando los paradigmas establecidos y proponiendo nuevas perspectivas en la comprensión de las experiencias sensoriales y cognitivas.

En conjunto, "Las Veces" y "Las Voces" constituyen un estudio multidimensional que cuestiona las percepciones normativas, fomenta la empatía y promueve un discurso académico sobre la diversidad cognitiva y sensorial.

La integración de elementos visuales, sonoros y conceptuales en esta instalación ofrece un campo fértil para el análisis de la intersección entre arte, arquitectura y neurociencia. El proyecto plantea interrogantes sobre la naturaleza de la percepción, la construcción de la memoria y la influencia del entorno en nuestras experiencias sensoriales y cognitivas.

En conclusión, "Las Veces" representa una contribución significativa al discurso contemporáneo sobre la percepción espacial y la práctica artística site-specific.

*El proyecto de "Las Voces" se presentará en el Casal Solleric el día 19 de julio de 2024 a las 19h.

"La fotografía tiene el poder de capturar 'verdades' - o al menos, las apariencias que interpretamos como verdades -
pero también tiene la capacidad de distorsionar, de seleccionar, de aislar de manera que la 'realidad' capturada se convierte en una versión de la realidad, mediada por el ojo y las intenciones del fotógrafo."
— Susan Sontag, Sobre la fotografía (1977)

En 2024, nos encontramos inmersos en un torrente constante de información, un fenómeno que ha profundamente desestabilizado nuestra noción de 'verdad' y provocado una revisión crítica de cómo la definimos y comprendemos. Esta avalancha ininterrumpida no solo ha diluido las fronteras de la certeza, sino que también ha impulsado un cuestionamiento sobre las reglas y dinámicas que sostienen nuestro entendimiento de lo verdadero.

En este contexto, la 'verdad' emerge no como un bastión de solidez, sino como un espectro en constante evolución, desafiándonos a adoptar una postura más reflexiva y escéptica frente a la realidad que nos rodea, y a reconocer la complejidad y la naturaleza mutable de lo que consideramos verdadero en un mundo saturado de datos.

Ante este vértigo actual, Lucía Gorostegui presenta "Todo es verdad", una propuesta expositiva que interpela el presente y pone en evidencia la fragilidad de las relaciones entre sujeto y objeto. Una perspectiva única que se nutre de su formación en ciencias y de su enfoque empírico de la fotografía, desvela un umbral donde las narrativas y la posibilidad misma de lo verdadero se vuelven difusas.

"Todo es verdad" es un diálogo en el que el espacio físico y la representación del mismo entrelazan preguntas hacia el público, el cual percibe activamente y no puede evitar participar. Cuestionarlo todo, pensando que todo es verdad. ¿Cómo construimos nuestra realidad? ¿Qué se encuentra más allá de los sesgos sociales, culturales e individuales?

En la instalación de Gorostegui, los límites de lo perceptible cambian, fluyen, y la búsqueda de nuevas comprensiones añade nuevas líneas al relato colectivo.

Lucía Gorostegui, a través de su intervención, mediante una instalación específica que extiende visualmente el espacio de la sala 50 centímetros de profundidad, logra que el suelo bajo nuestros pies, lo que considerábamos firme y seguro, parezca moverse sutilmente. Mediante una reproducción a escala real adherida a la pared, la artista juega con la percepción del espacio. Sin embargo, al caminar por la sala, la imagen pierde su cohesión; las perspectivas se quiebran y lo inaccesible se hace evidente.

El espacio se distorsiona y, con él, el tiempo. Susan Sontag, en su libro Sobre la fotografía, describía el fenómeno de la fotografía como una forma de convertir el pasado en "un objeto consumible". En "Todo es Verdad", un momento anterior del espacio se convierte en 'objeto', formando parte del juego de cuestionamientos planteado por la artista. Al observar la instalación, consumimos un estado pasado del espacio, mientras que el momento presente queda oculto. La experiencia de lo tangible se entrelaza en la instalación con los dos vértices de la experiencia.

La investigación artística de Gorostegui surge en una intersección entre la búsqueda empírica y el descubrimiento a través de la expresión artística. Aquí, la naturaleza de las relaciones ontológicas se estudia, se disecciona y, sobre todo, se observa para plantear nuevas conversaciones sobre su especificidad. La fotografía y la instalación se entrelazan, convirtiendo el pasado en imagen y la imagen en pasado.

"Todo es verdad" desvela el proceso artístico de Lucía Gorostegui en un lugar como TACA — refugio y lugar de resistencia artística en pleno centro de Palma — invitando al espectador a mirar más allá de la superficie y a sumergirse por un instante en las profundas preguntas que definen nuestra existencia.

Inauguración: Taca, Palma, Sábado, 6 de Abril de 2024, 17h